画家波洛克（天价画家波洛克背后的女人李克拉斯纳）

　　画家波洛克（天价画家波洛克背后的女人：李克拉斯纳）
　　改变就是生活。李克拉斯纳（LeeKrasner）在1972年接受采访时说道。作为一名艺术家，她从未停止改变；与许多其他抽象表现主义者不同，她没有止步于标志性的风格，而是不停地重新创作。不同的规模、颜色和材料，她都尝试过：或被小巧的宝石表面所吸引，或被巨大的单色画布所震撼，或被艳丽的质感拼贴画所诱惑，或让你的肚子因不舒服的肉质形状而转动。所有这一切都意味着，她永远不会像她的丈夫杰克逊波洛克（JacksonPollock）那样成为某种绘画的代名词。
　　在1984年去世的克拉斯纳有一种破坏倾向，她会摧毁自己不喜欢的作品，虽然摧毁方式极具创意。也许正是因为没有实质的连贯作品，她才没有像同时代人马克罗斯科（MarkRothko）、威廉德库宁（WillemdeKooning）或者她的丈夫那样有名。
　　李克拉斯纳自画像，1928年（图片来源：波洛克克拉斯纳基金会）
　　克拉斯纳不喜欢用女艺术家这个词。在1972年的Vogue杂志中，她说：我是一位艺术家而不是39；女艺术家39；。她的性别也是未被认可的原因之一。
　　抽象表现主义是20世纪中期男性占据统治地位的艺术运动，而克拉斯纳是这个男性世界的女人。因为有一位著名、甚至被神化的丈夫，她被忽视了很久更不用说，在她丈夫1956年去世后，她是唯一的遗产执行人。当波洛克还活着的时候，克拉斯纳大多被忽视，在他去世后还被边缘化了将近十年。
　　但最近的一个新展《李克拉斯纳：生活色彩》刚刚在伦敦的巴比肯开幕。克拉斯纳在艺术界并非完全无名，她曾在美国举办过大型博物馆展览，但这却是她在欧洲的首次回顾展。
　　《无题》1946年（图片来源：波洛克克拉斯纳基金会）
　　虽然波洛克的酗酒行为和咄咄逼人的架势让人感觉不易相处，但在他们自己看来，他们的婚姻是平等的、相互尊重的伙伴关系。他既没有把她变成一个艺术家，也没有妨碍她的创造力：在遇见波洛克之前，和波洛克在一起时，在波洛克去世后，我一直在画画。克拉斯纳说。
　　爆发性的吸引力
　　克拉斯纳很早就喜欢改变。她1908年出生时名叫莉娜（Lena），在十几岁的时候，她改名为勒诺（Lenore），后来又改了个更加中性的名字李（Lee）。
　　李不是个随便的女人。她的朋友剧作家爱德华阿尔比说。但她年轻时的照片显得很轻浮：在纽约城市学院学习艺术时，她还做过模特，快乐地与她的情人在海滩上摆造型。
　　AbstractNo2，1947年（图片来源：波洛克克拉斯纳基金会）
　　1937年，她前往汉斯霍夫曼美术学院学习。霍夫曼是一位了解毕加索和布拉克的现代主义者，他非常严格，不仅会直接指出学生错误的地方，有时还会把他们的作品撕毁。他却称赞过克拉斯纳的作品，她的画好得让你很难相信出自女人之手。在立体抽象主义方面，他对克拉斯纳产生了重要影响。
　　第二个对她创作生涯产生重要影响的是波洛克。1942年，战争服务项目开始实施（由罗斯福新政创造就业计划发展而来），克拉斯纳需要监督20个百货商店橱窗展示的设计，为战争课程打广告。为了做深入研究，她参加了一个关于如何制造化学炸药的课程。
　　同年，在一次展览中，她认识了波洛克，当时她对他的作品只是感到震惊，但却被他本人深深吸引。于是，她把他分配到自己的橱窗展示团队，这样一来，他们就可以一起工作。
　　《镶嵌桌》，1947年（图片来源：波洛克克拉斯纳基金会）
　　三年后，他们结婚了，搬到了长岛农场。他们既在这里居住又在这里工作。谷仓是波洛克的工作区，克拉斯纳则把楼上的卧室作为工作室。在桌子上铺一块画布，她完成了一系列小作品，颜色丰富多彩，活泼生动。
　　1951年，贝蒂帕森斯画廊举行了克拉斯纳的首次小作品个展。巴比肯的策展人埃莉诺奈恩（EleanorNairne）称，展览受到了高度好评，但并未售出作品，克拉斯纳对此非常失望。
　　《秃鹰》，包含杰克逊波洛克作品的片段，1955年（图片来源：波洛克克拉斯纳基金会）
　　她开始改变自己的创作方式。1953年的一天是她涅槃重生的时刻，她走进工作室，心生厌恶，一气之下把所有的画都撕成碎片。几个星期后，当她走回来时，对地板上这些撕碎的画产生了兴趣，于是，她开始拼贴。她把撕碎的画放在之前让她大失所望的个展作品上，重新开始创作。
　　她甚至开始加上波洛克的作品片段，就像1955年的《秃鹰》一样。这些夹杂着波洛克风格的作品昭示了她的全新转变，同时也在嘲弄和取代男性的权力结构。
　　1977年，克拉斯纳找到了学生时代的作品后，把它们剪下来拼贴。凹凸不平的形状，就像被砸碎镜子的反射一样，犹如立方体：她的立体主义研究不仅涉及切割和堆叠，还有时间的流逝。
　　在痛苦中绘画
　　回到1955年她在纽约斯泰布尔画廊展出的手工拼贴画受到了好评，著名的艺术评论家克莱门特格林伯格后来称其为那个时代美国艺术界浓墨重彩的一笔。但是，除了创作起源的故事之外，今天这些作品真正引人注目的是她对色彩的运用。
　　《燃烧的蜡烛》，1955年（图片来源：Artsy）
　　《乳草》，1955年，（图片来源：Artsy）
　　《沙漠月亮》，1955年（图片来源：波洛克克拉斯纳基金会）
　　《燃烧的蜡烛》，一团欢快、小巧、细碎的桃粉色、黄色、黑色和勿忘我的蓝色，似乎在眼前飘动，如蝴蝶般缤纷。《乳草》，灰褐色夹杂着蘑菇、奶油、柠檬草和橙色果子露的色彩。《沙漠月亮》，橘色、红色、黑色和樱桃酸奶粉都光彩夺目。
　　1956年是悲剧发生的一年。克拉斯纳由于厌倦了波洛克的不稳定行为，前往法国；当她不在的时候，他醉酒驾车，不幸身亡。克拉斯纳开始崩溃地在痛苦中创作。
　　在波洛克去世前不久，她就以一种全新的风格创作了一幅名为《预言》的画作。它的肉质形状和咄咄逼人的暗黑线条构成翘曲的身体，或缠绕或受损；它可能是性，也可能是暴力。
　　《预言》，1956年（图片来源：波洛克克拉斯纳基金会）
　　《极地踩踏》，1960年（图片来源：波洛克克拉斯纳基金会）
　　当时波洛克酗酒越来越厉害，他们的关系非常紧张，《预言》就是在这种情形下创作出来的。克拉斯纳回忆说，她的新作品让她感到非常不安，尽管波洛克向她保证这是一幅好画，并表示不必忧虑，继续画。
　　在他去世后，她继续这样画着。《出生》、《拥抱》和《三合二》都采用了同样令人不安的风格。1959年，她的母亲也去世了。
　　克拉斯纳经历了一段深度抑郁和严重失眠的时期。但这段时期创作的作品都很有创意：她已经搬进了波洛克在谷仓的工作室，并创作了《夜之旅》（NightJourneys）系列。现在她拥有了所有的空间，却只画上了棕色的漩涡她在灯光之下可以信任的唯一颜色它们是能动的、剧烈的、失落的。
　　《伊卡洛斯》，1964年（图片来源：波洛克克拉斯纳基金会）
　　但《克拉斯纳》肯定会赢得公众的心，也许这不是痛苦浸透的作品。她在20世纪60年代中期创作的系列以紫红色、粉红色、橙色、祖母绿和酸绿色为主。虽然有些具有粗糙的运动感，但其他则转向更有机的生物形态，并且具有流动似水的特质。
　　《重生》，1971年（图片来源：波洛克克拉斯纳基金会）
　　从20世纪70年代开始，她开始探索更难、更清晰的边界，但仍然使用相互结合、相互作用的颜色。其中之一便是1971年的《重生》，由绿色和洋红色的形状构成。它的标题Palingenesis是希腊语重生的意思，这也是克拉斯纳一直想要诠释的概念，在她的创作生涯结束时亦是如此。
　　我喜欢用画布呼吸并活着。活着才有意义。虽然所谓的颜料和画布具有局限性，但让我们一起看看我是否可以做到，克拉斯纳曾经挑战过自己。她可以，她做到了。时至今日，她的作品依然活着，依然在呼吸。